La revista francesa Positif celebra este año, con varias exposiciones y retrospectivas en diversos países, su cincuenta aniversario, y para conmemorarlo la Filmoteca Española ha programado, en colaboración con el Instituto Francés, treinta y seis películas que resumen y definen su línea editorial y su estilo.

     El ciclo se inaugura el próximo martes día 3 con la proyección de Ojos sin rostro de Georges Franju, considerada como una de las obras maestras incontestables del cine fantástico galo.

     La retrospectiva incluye una amplia representación de películas francesas, algunas de ellas no estrenadas en España, como Un étrange voyage de Alain Cavalier o Double messieurs de Jean-François Stévenin.

     Otros títulos que se proyectarán son La delgada línea roja de Terrence Malick, Sacrificio de Andrei Tarkovsky, Te amo, te amo de Alain Resnais y La escapada de Dino Risi.

     Para la clausura de la muestra se celebrará una mesa redonda el día 30 de septiembre en el Instituto Francés, con la presencia de Michel Ciment y Hubert Niogret, miembros del consejo de redacción de Positif, quienes participarán junto a otros críticos españoles, como Esteve Riambau, Casimiro Torreiro y Carlos Heredero.

     La revista Positif, dirigida por Bernard Chardère, se fundó en Lyon a principios de los años cincuenta -más exactamente, un año después de la igualmente mítica Cahiers du cinema-, como respuesta a una crítica cinematográfica que, en Francia, ignoraba todo contexto sociopolítico, a la vez que descuidaba o rechazaba a ciertos cineastas como Luis Buñuel, John Huston, Andrzej Wadja, Joseph Losey o Michelangelo Antonioni.

     El miércoles día 18 se presenta en el Cine Doré el libro dedicado a Glauber Rocha que han co-editado Cátedra y Filmoteca Española con la asistencia del autor, José Carlos Avellar. Con este motivo se han programado tres películas del cineasta brasileño, una de las cuales, Dios y el diablo en la tierra del sol, figura también en la selección de Positif.

     Al mismo tiempo y en colaboración con la Asociación de Amigos de la Filmoteca Española, se rendirá un homenaje al montador Pablo G. del Amo, una figura imprescindible en la historia reciente del cine español, presente en casi todos los grandes títulos de nuestro cine. A lo largo del mes se proyectará una selección que es, en sí misma, casi una introducción al cine español desde los años sesenta, con títulos como El espíritu de la colmena de Víctor Erice, La caza y Cría cuervos... de Carlos Saura, o El viaje a ninguna parte de Fernando Fernán-Gómez, junto a tres capítulos de las series de televisión Conozca usted España y dos de La huella del crimen. El martes día 17, tras la exhibición de Mambrú se fue a la guerra, también de Fernán-Gómez, Pablo G. del Amo recogerá el Diploma de Socio de Honor.

     Por último, dentro del ciclo «Ópera y Cine» se ofrecerá un programa doble dedicado a la soprano Dénise Duval, de quien se ofrecerá La Voix humaine, ópera de Francis Poulenc que ella estrenó en 1947, y el documental Dénise Duval: La 'Voix' retrouvée, que será presentado el jueves día 12 de por su director, Dominique Delouche.

(Fuente: elmundo.es).

     El cineasta Luis García Berlanga ha participado en el curso «Los ancianos en el ágora. Invitación a la sabiduría», dirigido por Fernando Sánchez Dragó, e incluido en el programa de verano de la Complutense.

     Durante su participación, Berlanga afirmó: «Para vivir todo lo que he vivido, como la República o la Guerra Civil, he tenido que coquetear con bastante gente»; y opinó sobre la soledad que es «la enfermedad del siglo XX y la solución del XXI».

     «En mis inicios, siempre empecé con un fervor absoluto por la soledad, lo conservé hasta los catorce años y lo recuperé hace una década», dijo este hombre de cine que se confiesa fetichista porque le gusta el tacón de aguja.

     El cliché de Berlanga es la palabra «austrohúngaro», que aparece en un momento u otro de todas sus películas, «una palabra tan en desuso que es difícil pensar en un personaje que la cite, así que la adopté como un fetiche», afirmó, aunque en algunas ocasiones tuviera una dificultad enorme para introducirla.

     Para Berlanga, la mujer, mejor vestida que desnuda, y es que «odio el desnudo en la mujer, porque no me dice nada». El cineasta confesó que su vocación por el séptimo arte nació de una especie de «fenómeno místico» que le sobrevino mientras veía en la Sala Rialto de Valencia el film Don Quijote de Pabst, un director austrohúngaro, coincidencias de la vida. Luis García Berlanga hizo afirmaciones tajantes, como la de que «los cinéfilos son los ultrasur del cine», y que «la mejor forma de solidaridad es el egoísmo».

     Porque a él le parece una descortesía, por ejemplo, ceder el asiento en un autobús a un minusválido: «así le hacemos de menos», «no debemos sentirnos superiores a los demás porque todos tenemos minusvalías». Afirmó también que «las colonizaciones culturales me parecen una soberbia», se confesó «caótico», aunque realmente piense que «el caos es la pobreza y la miserabilidad en la que se ha rodado cine en este país».

     La película que justifica toda su obra es París Tombuctú, respondió Berlanga muy serio, a los que opinan que su mejor film es Bienvenido Mister Marshall, cuyo cincuentenario se celebrará el próximo otoño con «un montón de actos» que en realidad le fastidian, porque «tengo que buscar papeles y cosas por todas partes». El octogenario director dijo que «la pasión erótica crece aunque se tengan ochenta y un años», aunque el cuerpo no acompañe, y confesó que «todos los actores me han odiado en el rodaje, ha sido como un duelo de pistolas», pero fuera de él, «Alfredo Landa dice de mí que soy un hijo de puta con ventanas a la calle, pero que cuando le llame acudirá al trabajo».

     Una de las peores cosas para Berlanga es la censura, que «todavía existe, incluso en los anuncios de televisión», dijo antes de explicar cómo le censuraron una escena en una película en la que un guardia civil disparaba a un delincuente y no le daba; le contestaron «la guardia civil española no falla un tiro», una anécdota que tiene en común con Sánchez Dragó, que en otra ocasión recibió la misma respuesta. Ambos tuvieron un emocionado recuerdo para el periodista Luis Carandell, fallecido esta semana. «No hay gozo sin sombras», dijo el director del curso: «yo había pensado invitar a Carandell a este curso», señaló, «y no lo hice porque ya estaba enfermo».

(Fuente: elmundo.es).

     La novela ganadora del último Premio Planeta, La canción de Dorotea de Rosa Regàs, será llevada al cine bajo la dirección de la actriz catalana Silvia Munt, quien debutará en el largometraje con esta historia de dos mujeres diametralmente opuestas que comparten una masía aislada.

     La novelista anunció que La canción de Dorotea también será el título de una película, en un encuentro con periodistas en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) de Santander, donde este martes protagoniza una nueva cita del ciclo «Martes Literarios».

     El proyecto de Silvia Munt, ganadora de un Goya con su cortometraje Lalia, ambientado en los campos de refugiados saharauis, se une a otro, que está en fase de rodaje y que parte de la primera novela de Regàs, Memoria de Amator. Ese libro, publicado en 1991, cuenta el doloroso avance hacia la edad adulta de lo protagonista, que narra en primera persona esta historia, ambientada en una comarca rural que podría ser el Empordà.

     Rosa Regàs está ahora inmersa en la escritura de otra novela, de la que no puede hablar «porque no tiene mucho sentido, yo empiezo una novela y luego no sé cómo será», y en enero tiene previsto recorrer Centroamérica para escribir un nuevo libro de viajes. Un territorio, América central y también la del Sur, que le atrae especialmente, al igual que su literatura, que es «una fuente inagotable de perfección, de música y de talento», aunque en España no parece, a su juicio, que se valore mucho.

     «Parece que sólo tenemos oídos y ojos para lo nuestro», aseguró la escritora, quien denunció que «la política española ha abandonado a Latinoamérica y se ha volcado en algo más lujoso, que es estar más unida a Europa». A los lectores que acudan a escucharla al Paraninfo de la Magdalena, les hablará sobre lo que ha descubierto en los libros desde que se convirtió en escritora, tras muchos años de dedicación a la literatura pero desde otro lado, el editorial.

     Su primer libro, Ginebra, fue publicado cuando Regàs ya había cumplido los cincuenta, y eso obedece, explicó, a que ella es una mujer de muchas vocaciones, pero que jamás abandona una por la otra, sino que las acumula. «Lo mismo que en el amor, hay quien deja de amar a una persona porque se enamora de otra, yo prefiero ir acumulando». La escritura es algo que le sigue «costando mucho» hasta que llega un día y se da cuenta de que ya no es así, de que ha llegado la inspiración, que, a su juicio, es «únicamente obsesión». «Cuando escribo no pienso en los lectores, no pienso en nada, solamente escribo», añadió.

     Mucho menos piensa, porque sería «un lastre», en que ha ganado el Planeta, un premio que le ha hecho mucha ilusión, como antes el Nadal y el Ciudad de Barcelona. «Hay gente a la que no le hacen ilusión los premios pero a mí sí, seré un poco infantil. Haber ganado premios me ha hecho una ilusión que no te puedes imaginar».

(Fuente: elmundolibro.com).

     Se ha presentado en Málaga La caja 507, del director vasco Enrique Urbizu. El cineasta aseguró que su última película es un thriller en el que se destapa un fraudulento círculo de mafias, política, empresarios y violencia: «sólo pretende contar lo que pasa en la Costa del Sol», declaró Urbizu.

     La película se basa «en las noticias que iban apareciendo diariamente en la prensa sobre la Costa del Sol», proceso de documentación que se prolongó durante dos años.

     El director, que también es autor del guión con la colaboración de Michel Gaztambide (co-guionista de Vacas, de Julio Medem), señaló durante la presentación de la película que lo que más le sorprendió fue que «a nadie parece importarle los numerosos delitos que se detectan en esta zona de Andalucía».

     Respecto al hecho de que el nombre de Marbella no aparezca reflejado en el film de forma directa, explicó que la intención inicial era «no dar nombres propios» con el objetivo de otorgarle un carácter más abstracto y universal.

     En este sentido, Urbizu definió la película como «una metáfora de la indignación de una persona ante un escándalo totalmente asumido por todos», lo que calificó de «terrible» para una sociedad.

     Antonio Resines, José Coronado y Goya Toledo son el trío protagonista de este film influenciado por el cine policíaco clásico.

     La caja 507 llama la atención por la transformación de José Coronado, quien adaptó su físico a lo que reclamaba el papel, metiéndose en la piel de un tipo violento. El actor, que también acudió a la presentación de la película, se mostró satisfecho con su papel, ya que según manifestó, este personaje le ha ofrecido «la posibilidad de disfrutar matando», pues lo único que lo humaniza es el amor por su chica (Mónica, personaje que interpreta Goya Toledo).

     Además, el actor afirmó que haber participado en este proyecto era «un lujo» y que desde el primer momento le apasionó la historia que Enrique Urbizu le ofrecía.

     La trama, el regreso de Urbizu al thriller tras Todo por la pasta y Cachito, se centra en el apetito de venganza de Modesto Pardo (Resines), el director de una sucursal bancaria saqueada, que gracias a los papeles que contiene la caja de seguridad 507, olvidada por los atracadores, descubre un entramado de mafias y corrupción política en plena Costa del Sol.

(Fuente: elmundo.es).

     El director cinematográfico, escritor, guionista, poeta y «profesor de invisibilidad» (así se define) Alejandro Jodorowsky entiende que «las revoluciones están caducas y deben ser sustituidas por la metamorfosis mental, si queremos que el mundo logre su progreso».

     Esta afirmación fue realizada por el cineasta chileno durante una rueda de prensa celebrada poco después de que pronunciara una conferencia sobre «El comic: creación, lenguaje e industria», dentro de los cursos que organiza la Universidad Complutense en San Lorenzo de El Escorial.

     «Tiene que haber un cambio mental en las personas, si queremos que la humanidad prospere», declaró Jodorowsky, quien se mostró partidario de crear conciencia, pero no revolución, pues para eso está la «metamorfosis mental», que debe ser transmitida a los hombres desde el vientre de su madre.

     Como solución al problema actual del mundo, propuso que se construyan templos de las cuatro religiones en la zona de las antiguas Torres Gemelas de Nueva York, y acabar así con las guerras.

     Desde hace cincuenta años, el co-fundador (con Fernando Arrabal y el fallecido Roland Topor) del movimiento pánico lee el tarot a las personas que se acercan a él en bares o cafeterías. En la rueda de prensa, defendió la magia y las cartas, aunque reconoció que existen estafadores en estas prácticas.

     A juicio de Jodorowsky, debe haber fe por parte de las personas que se acercan a los curanderos y los magos, y así se producirán los milagros deseados.

     El autor de El Topo y Santa sangre manifestó que es «un escritor curandero», dijo que en el tarot existe un lenguaje que la persona que echa las cartas debe saber leer. Una manera diferente es la de aquellas personas que, sin ninguna preparación, dan pronósticos de cualquier manera, sin leer lo que sale en las cartas.

(Fuente: yahoo.es).

     «Todos me preguntan por el éxito de El hijo de la novia y, sin embargo, yo estoy más acostumbrado a hablar del fracaso», afirmó el cineasta Juan José Campanella con motivo de la presentación del homenaje que se le tributará en el Son Latinos Canarias 2002, en la isla de Tenerife.

     Campanella, candidato al Oscar a la mejor película de habla no inglesa por la citada película, recibirá una distinción de honor por su conocimiento y divulgación del cine realizado en español en todo el mundo en el Centro Cultural de Los Cristianos, y participará en un encuentro junto al también cineasta canario Juan Carlos Fresnadillo, autor de Intacto.

     «No puedo creer que todos los halagos que he recibido últimamente surjan de la única película en la que yo sólo pretendía hacer una comedia», aseguró Campanella, quien insistió: «en todas las demás tenía más pretensiones, como el intento de renovar el cine negro en Ni el tiro del final».

     El cineasta, autor también de la espléndida El niño que gritó puta, explicó que los actuales problemas sociales por los que atraviesa Argentina no determinan la capacidad narrativa de sus películas, y apuntó que su intención es, sin obviar el contexto en el que se mueve, contar historias de individuos, de aquellos que no son protagonistas ni aparecen en los diarios.

     Campanella reveló que su pasión por el cine y, en concreto, por la dirección, nació cuando vio por primera vez, a los quince años, Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen. «Me llevaron a palos al cine, era un musical, algo de chicas, y salí como loco de la sala y bajo la convicción de que yo quería hacer eso», explicó el director, «y me compré un librito titulado Así se hace cine, como si ahí estuviera el secreto».

     El director de cine argentino, que comenzará a rodar su nuevo proyecto en el año 2003, acaba de presentar en las salas comerciales españolas El mismo amor, la misma lluvia, película que rodó un año y medio antes que su exitosa El hijo de la novia y que fue inicialmente concebida como guión para una serie de televisión en 1983.

     En opinión de Campanella, la puerta más importante que le ha abierto El hijo de la novia ha sido la posibilidad de rodar películas en Argentina con argentinos, en un marco que reconoce como propio, y que, al mismo tiempo, puedan ser vistas en el extranjero.

(Fuente: elmundo.es).

     Si en el año 2000 acudió a San Sebastián con Amores perros y en 2001 con Y tu mamá también, Gael García Bernal regresa al Zinemaldia de la mano de El crimen del Padre Amaro, la polémica película de Carlos Carrera que, a priori, se presenta como el título estrella de la Sección Oficial del certamen, y que co-protagonizan Ana Claudia Talancón y el español Sancho Gracia.

     Basada en la novela del portugués José María Eça de Queiroz en 1875, El crimen del Padre Amaro ha levantado con su denuncia de la corrupción de la Iglesia las iras de las organizaciones más ultraconservadoras de la derecha radical. El film se estrenó el pasado fin de semana en México entre fuertes medidas de seguridad -a las amenazas de boicot se unieron misas de desagravio-, batiendo récords de taquilla.

     La inauguración de la Sección Oficial a concurso correrá a cargo del cineasta irlandés Neil Jordan y su The good thief, nueva versión de una cinta de Jean-Pierre Melville, protagonizada por Nick Nolte y Ralph Fiennes. El film cuenta cómo un jugador (Nolte) decidido a cambiar su suerte planea robar un casino en el sur de Francia, sin imaginar que su idea va a desencadenar una auténtica cacería por parte de la policía.

     Agustí Villaronga, con Aro Tolbukhin (En la mente del asesino); Fernando León de Aranoa, que tratará de repetir el éxito de su Barrio con Los lunes al sol; y Basilio Martín Patino, con Octavia, su primera incursión en el cine narrativo tras su retiro dedicado al documental, conforman la presencia española a concurso.

     El argentino Carlos Sorín vuelve a escoger el fascinante paisaje de la Patagonia en sus Historias mínimas, película que competirá con el nuevo trabajo de su compatriota Adolfo Aristarain, Lugares comunes, el retrato de la actual Argentina protagonizada por Federico Luppi.

     La vie promise, filme del realizador francés Olivier Dahan, con Isabelle Huppert en la historia de la relación entre una madre que ejerce la prostitución en Niza y su hija adolescente; Autofocus, de Paul Schrader, crónica de la identidad sexual masculina en la América de los años 60 y 70 a través de la investigación de la misteriosa muerte del actor Bob Crane (Greg Kinnear), cinta protagonizada también por Willem Dafoe; Han ni zai yiki, del chino Chen Kaige, que cuenta la historia de un niño de trece años que toca el violín de forma extraordinaria y que se traslada a Pekín junto a su padre, donde descubrirá el amor, la amistad y la dura enseñanza de un maestro que le revelará un secreto que trasformará su vida; y Umi wa miteita, proyecto de Akira Kurosawa que Kei Kumai heredó tras su muerte, son algunos de los diecinueve títulos que optan a la Concha de Oro.

     Whale rider, de la neozelandesa Niki Caro, y The sea, de Baltasar Kormákur, competirán además al Premio Nuevos Realizadores. La Sección Oficial a concurso se completa con la danesa Open hearts, de Susanne Bier; la alemana Pigs will flye, de Eoin Moore; la rusa Lubovnik, de Valeri Todorovsky, y la iraní The winter song, de Farhad Mehranfar.

     La 50.ª edición del Zinemaldia, que se desarrollará entre el 19 y el 28 de septiembre, se cerrará con la proyección fuera de concurso del filme de mayor éxito del cine tailandés de toda su historia: The legend of Suriyothai, de Chatri Chalerm Yukol, producida y montada por Francis Ford Coppola.

(Fuentes: elmundo.es y yahoo.es).

     Second name (El segundo nombre), ópera prima del joven realizador Paco Plaza, participará en la Sección Oficial de Cine Fantástico en la próxima edición del Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2002, que se celebrará del 3 al 13 de octubre.

     Tras su experiencia en la dirección de los cortometrajes Abuelitos y Puzzles, y tras co-dirigir con Jaume Balagueró Operación Triunfo. La Película (documental sobre la gira de los cantantes del popular programa), Paco Plaza ha contado para su debut en el largometraje de ficción con un amplio cartel de actores y actrices de distintas nacionalidades, como la debutante Erica Prior, Denis Rafter, Teresa Gimpera, Craig Hill, John O'Toole o Frank O'Sullivan, entre otros.

     Producida por Julio Fernández y Joan Ginard para Fantastic Factory (división de Filmax especializada en cine fantástico), El segundo nombre es una escalofriante historia basada, como Los sin nombre de Balagueró, en una novela de Ramsey Campbell; en este caso, Pact of the fathers. El autor británico es uno de los actuales y más leídos maestros del terror y el suspense.

     El guión de El segundo nombre lo firman el propio realizador y el reconocido escritor bilbaíno Fernando Marías, ganador del Premio Nadal 2001 con la novela El niño de los coroneles, y autor también de las obras La luz prodigiosa o Esta noche moriré.

     Con esta película, Filmax inaugura la línea Fantastic Discovery, creada por el productor Julio Fernández para apoyar las óperas primas de nuevos realizadores.

(Fuente: elmundo.es y Filmax).

     El Festival de Cine del Mundo de Montreal abre su 26.ª edición con una nutrida selección de películas, de las cuales veintiséis compiten por el Gran Premio de las Américas.

     En la sección competitiva destacan cuatro con participación española: La balsa de piedra, coproducción con Holanda dirigida por George Sluizer, según la novela homónima del portugués José Saramago; Salomé, la última película de Carlos Saura; El último tren, de Diego Arsuaga, con Federico Luppi y Héctor Alterio, producida en conjunto con Uruguay y Argentina; y El viaje de Carol, el nuevo film de Imanol Uribe, con Carmelo Gómez, María Barranco, Álvaro de Luna y Rosa María Sardá.

     Otras películas españolas presentes, pero fuera de concurso, son En la ciudad sin límites, de Antonio Hernández; La novia de Lázaro, de Fernando Merinero; Los niños de Rusia, de Jaime Camino; Manjar de amor, de Ventura Pons, y Rencor de Miguel Albaladejo.

     Entre las restantes películas que compiten por el máximo galardón de Montreal destacan la rusa Voina, de Alexei Balabanov, centrada en la guerra de Chechenia; The deserted station, de Irán; la alemana Mein erstes wunder; O delfim, del portugués Fernando Lopes, y la canadiense La turbulence des fluides, que inaugura el festival.

     Este año, el certamen cuenta con 408 filmes (206 largometrajes y 159 cortos) que representan a 75 países.

     Entre las figuras del mundo del celuloide que acudirán a Montreal resalta el actor estadounidense Robert de Niro, ganador de dos Oscar, que presentará en Canadá la película City by the sea. El film, en el que también interviene otra ganadora del Oscar, Frances McDormand, está inspirado en un artículo del periodista Mike McAlary, publicado en 1997 y ganador del premio Pulitzer, en el que se narra cómo un policía descubre que el principal sospechoso de un asesinato es su propio hijo.

     En el apartado de cine latinoamericano, el festival ha seleccionado trece películas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba y México, ninguna de ellas en competición.

     Un oso rojo, producción argentina en colaboración con Francia y España, está dirigida por Israel Adrián Caetano y narra el regreso al mundo exterior de un delincuente encarcelado durante siete años.

     Sudeste, de Sergio Bellotti; No sabe, no contesta, de Fernando Musa, y Samy y yo, de Eduardo Milewicz, componen el grupo de películas argentinas.

     Brasil es el otro país latinoamericano con más representación en Montreal gracias a cuatro películas: Durval discos, de Anna Muylaer; Rocha que voa, de Eryk Rocha; O invasor, de Beto Brant, y Uma vida em segredo, de Suzana Amaral.

     Completan la lista la chilena Invictos, la colombiana Bolívar soy yo, la cubana Vídeo de familia y las mexicanas Cuento de hada para dormir cocodrilos y El gavilán de la sierra.

(Fuente: elmundo.es).

     La virgen de la lujuria, dirigida por el mexicano Arturo Ripstein y protagonizada por la española Ariadna Gil y el también mexicano Luis Felipe Tovar, ha sido seleccionada para participar el 31 de agosto en la sección oficial «Contracorriente» de la 59.ª edición de la Mostra de Cine de Venecia.

     La trama de La virgen de la lujuria, que se estrenará en España el viernes 6 de septiembre, se desarrolla en el México de los años 40. Allí, Ignacio Jurado, «El Mikado» (Luis Felipe Tovar) es un camarero más bien callado y solitario. Sus días transcurren entre el Café Ofelia y su colección de fotos pornográficas. Sin embargo, todo cambia cuando en su vida irrumpe Lola (Ariadna Gil), una prostituta española no exenta de cierta ternura, autodestructiva e imprevisible. Entre ambos surge una relación sadomasoquista. El Mikado será capaz de cualquier cosa por hacerse merecedor del amor de Lola. Cualquier cosa, incluso matar a Franco.

     La película de Ripstein se basa en un relato del escritor valenciano español Max Aub, cuya adaptación ha corrido a cargo de Paz Alicia Garciadiego, esposa y guionista habitual del cineasta mexicano; y en su reparto destacan también dos actores habituales de Ripstein, Patricia Reyes Spíndola y Daniel Giménez-Cacho, así como el español Juan Diego.

(Fuente: elmundo.es).

     Hable con ella, de Pedro Almodóvar; About Schmidt, de Alexander Payne; y Punch-Drunk Love, de Paul Thomas Anderson son las películas más esperadas del Festival de Cine de Nueva York de este año.

     Esta semana fue anunciado el calendario de la 40.ª edición, que se realizará del 27 de septiembre al 13 de octubre, en el Lincoln Center de Manhattan.

     Hable con ella, cuya exhibición cerrará el festival, es la más reciente película de Almodóvar tras su oscarizada Todo sobre mi madre, y está protagonizada por Javier Cámara y Darío Grandinetti como dos hombres que están enamorados de mujeres que se encuentran en coma en el mismo hospital. Ambas mujeres están interpretadas por Rosario Flores y Leonor Watling. Completan el reparto la veterana Geraldine Chaplin (como la profesora de danza de esta última) y un largo etcétera de intérpretes españoles, en papeles más breves: Fele Martínez, Paz Vega, Mariola Fuentes, Ana Fernández, Elena Anaya, Chus Lampreave y José Sancho son algunos de los actores que han colaborado con Almodóvar en su nueva obra.

     About Schmidt, la nueva película de Payne tras Election, será exhibida en la noche de apertura. La película trata sobre la relación entre un viudo de poco más de sesenta años, interpretado por Jack Nicholson, y su hija, interpretada por Hope Davis.

     Punch-Drunk Love le otorgó a Anderson el galardón de Mejor Director en el Festival de Cannes de este año, el cual compartió con Im Kwon-Taek, por Chihwaseon. La nueva película del director de Boogie nights y Magnolia es una comedia romántica protagonizada por Adam Sandler, Emily Watson y dos actores regulares de Anderson: Luis Guzmán y Philip Seymour Hoffman.

     Entre las otras cintas que se presentarán en el festival están la citada Chihwaseon, sobre la vida de un pintor coreano; y Auto Focus, sobre el asesinato de Bob Crane, astro de Hogan's Heroes.

     Por su parte, el veterano director portugués (de noventa y tres años) Manoel de Oliveira, cuya película Vuelvo a casa se exhibió el año pasado en el festival, regresa a la Gran Manzana con O principio da incerteza.

(Fuente: yahoo.es).

     Salomé, la última película de Carlos Saura, ha sido seleccionada para competir en la sección oficial del Festival de Cine Internacional de Montreal, que se celebrará entre el 22 de agosto y el 2 de septiembre.

     Salomé cuenta el proceso de la creación de un espectáculo musical sobre la historia de Salomé, ese personaje bíblico, mezcla de adolescente caprichosa y mujer fatal, que ha fascinado a los creadores de todos los tiempos, sobre todo con la danza de los siete velos, con la que seduce a su padrastro, Herodes, para conseguir la cabeza de Juan el Bautista.

     La tragedia y el misterio que envuelven a Salomé, bailada por Aída Gómez y su compañía de baile, y con música de Roque Baños, adquiere una nueva perspectiva tratada por la cámara de Carlos Saura.

     Salomé ha sido producida por Antonio Saura para Zebra Producciones, que lleva al Festival otras dos películas, En la ciudad sin límites, de Antonio Hernández, y Rencor, de Miguel Albaladejo, que participarán en la sección «Panorama del Mundo».

(Fuente: elmundo.es).

     Lost in La Mancha («Perdido en La Mancha»), el primer documental que relata la historia del fracaso de una película que se planteó como el trabajo con mayor presupuesto en la historia del cine europeo, se estrenó el pasado viernes en Londres.

     Este documental, que puede ser visto en los cines británicos, muestra con detalle cómo se desvaneció el último y titánico proyecto del director británico Terry Gilliam, con un presupuesto inicial de treinta y dos millones de dólares. La enfermedad del actor francés Jean Rochefort (El marido de la peluquera), que interpretaba al hidalgo manchego, y la tormenta que arruinó el equipo técnico convirtieron en fracaso la idea de llevar al cine una versión moderna del clásico de Cervantes y que iba a titularse El hombre que mató a Don Quijote.

     El fiel Sancho Panza, encarnado por el actor americano Johnny Depp, aguardaba paciente la recuperación de su amo, Don Quijote, encarnado por Jean Rochefort, quien se vio afectado por una doble hernia durante el rodaje. Mientras tanto, continuaba la aparatosa concreción de la imaginación de Gilliam, mediante la construcción de molinos, la creación de marionetas, el entrenamiento de caballos y la representación de iconos en su opinión típicamente españoles.

     Después de todo el trabajo, producto de diez años de obsesión por el proyecto, el director no llegó a contar con todo el dinero prometido por quienes prometieron financiar el largometraje. Durante el segundo día de rodaje en Navarra, en una zona militar constantemente sobrevolada por aviones que generaban ruido de fondo, una lluvia torrencial arruinó todo el equipo desplegado. A partir de entonces, todo empezó a complicarse. La cara de Gilliam cuando supo que su fiel escudero, su asistente de dirección Phil Patterson, abandonaba el proyecto, constituye la representación visual de este punto de inflexión.

     El documental Lost in La Mancha fue pensado por sus autores, Keith Fulton y Louis Pepe, como una forma de registrar, por primera vez, la etapa de pre-producción de una película. Sin embargo, la mala suerte de Gilliam llevó a sus colaboradores habituales a replantearse el proyecto para convertirlo en la crónica de un fracaso utilizando el escaso material de rodaje obtenido en tan sólo seis días de pre-producción.

     Además del material filmado y de los testimonios poco entusiastas de miembros del equipo de Gilliam, recurrieron a bocetos que reflejaban la idea muy personal que el director tenía acerca de su película y grabaciones de lecturas del guión. Fulton y Pepe se dieron cuenta de que su cámara había registrado momentos aparentemente insignificantes que se revelaron después como claves para entender el fracaso de Gilliam, por lo que las metáforas parecían servidas en bandeja.

     El ex-miembro de los legendarios Monty Python y director de Brazil o Doce monos, entre otros títulos, Terry Gilliam, es presentado por Fulton y Pepe como una especie de Quijote a quien «los molinos de la realidad disparan por la espalda», como reza el último fotograma de Lost in La Mancha. Según Pepe, «aunque se trata de un documental, nos gusta pensar en él como nuestra propia adaptación de Don Quijote».

     Pese a que actualmente Gilliam y el equipo de producción que trabajó con él dando vida al personaje de Cervantes parecen haber desaparecido y no querer saber nada del asunto, Pepe asegura que Lost in La Mancha contaba con el visto bueno del director. Pepe aseguró que «a Terry le gusta el documental, pero sé que también le deprime verlo. Nos ha dicho que le lleva dos semanas recuperarse cada vez que lo ve, pero creo que él, como nosotros, piensa que puede ayudar a retomar el proyecto».

     Mientras rodaban el documental, que cuenta con el actor Jeff Bridges (que trabajó con Gilliam en El rey pescador) como narrador de lujo, Fulton y Pepe comentaron al cineasta sentir que explotaban su propia miseria, a lo que éste contestó que «alguien tiene que sacar una película de todo este lío, y no parece que vaya a ser yo». Pepe declaró que el pasado jueves 1 de agosto, víspera del estreno de Lost in La Mancha, tomaron unas copas con Gilliam, y añadió: «seguimos teniendo buenas relaciones». «En muchos sentidos nos ayudó en nuestro lanzamiento profesional y le estamos muy agradecidos».

     Aunque de momento no está previsto que el documental se estrene en España, Pepe declaró que él y Fulton se sentían «muy emocionados ante esta posibilidad, pues la audiencia española comprendería mejor que nadie el humor y la tragedia que éste encierra».

(Fuente: elmundo.es).

     El cineasta Ventura Pons rueda durante estas semanas en Barcelona El gran Gato, un filme «musical documentado» basado en la vida del cantante rumbero Gato Pérez (Buenos Aires, 1951-Barcelona, 1990), uno de los músicos más populares en la capital catalana en los años ochenta.

     Según ha explicado su director, la película constará de una primera parte en la que se evoca la memoria de Gato Pérez, y una segunda en la que se da cuenta del legado del cantante rumbero. En esta segunda parte del filme, Pons ha recreado una actuación en la vieja sala Zeleste, en la que participarán Luis Eduardo Aute, María del Mar Bonet, Tonino Carotone, Los Chichos, María Jiménez, Ketama, Lolita, Martirio, Benjamín Escoriza (Radio Tarifa), Rosario, Sicus, Sisa y Kiko Veneno.

     Este concierto, anuncia Pons, será grabado en los estudios Isasi Isasmendi entre el 25 de agosto y el 9 de septiembre próximo, en la estela de otras experiencias cinematográficas anteriores como El último vals de Martin Scorsese, Buenavista Social Club de Wim Wenders, o Calle 54 de Fernando Trueba.

     Para el realizador, que con ésta ya ha dirigido quince películas en veinticinco años de profesión, «hablar de Gato con su familia, sus músicos, sus amigos, reencontrar sus textos reinterpretados por los grandes cantantes españoles de nuestros días, nos servirá para conocerlo a él, pero también para intentar entender una parte de nosotros mismos, de nuestra historia reciente».

     Si Ventura Pons debutó en el cine con un filme de base documentalista como Ocaña, retrato intermitente, el azar ha querido que un cuarto de siglo más tarde haya vuelto al género con otro personaje foráneo pero entrañable de la cultura barcelonesa. «Si con la historia del pintor Ocaña contaba la historia de la Barcelona de los años 80, en esta ocasión con la de Gato Pérez estoy contando la ciudad de los años 90, la ciudad de los Juegos Olímpicos que Gato Pérez no llegó a ver y que, sin duda, habría representado una proyección para su música».

     El director (cuya relación con Gato arranca de la única colaboración del músico con el cine, en La rubia del bar) afronta la primera parte de la película como una búsqueda de quién fue Gato Pérez a partir de los testimonios de familia, amigos, músicos, gitanos, «personas afectadas por alguien que no está y que nos ayudan a comprender su significado». En esta parte de recuerdos, el equipo de dirección ha grabado testimonios de la madre de Gato Pérez, Carmen Álvarez, de su primera mujer, Helena Montero, sus dos hijas, Jessica y Clara, su nieto Pancho, y su segunda mujer, Silvia Palau, con su hijo Martí Xavier, que nació poco después de la muerte del cantante.

     Además, aparecen en pantalla los gitanos de Gracia y Hostafrancs que conocieron al Gato, la «panda» del Zeleste, sus íntimos Jaume Sisa y Carles Flavià o sus amigos Javier Mariscal, Carlos Pazos, Marcos Ordóñez o Ángel Casas.

     El filme ha sido grabado en versión original bilingüe en castellano y catalán y rodado en Barcelona, Buenos Aires, Santa Cruz de Tenerife, Sant Juliá de Vilatorta, Sant Just Desvern y Les Franqueses.

(Fuente: elmundo.es).

     El film 800 balas, último largometraje hasta la fecha del director vasco Álex de la Iglesia, se estrenará el próximo mes de octubre en la 35.ª edición del Festival Internacional de Cine de Cataluña, según ha informado la organización de este certamen cinematográfico que se celebra en la localidad costera de Sitges (Barcelona). La película (que se incluirá en la sección Gran Angular, caracterizada por la votación del público) ha sido rodada en Texas-Hollywood (Almería), un polvoriento poblado donde hace décadas que no se ruedan películas.

     La trama está ambientada en este 2002: sólo quedan en el poblado veteranos especialistas del cine que se ganan la vida recreando patéticas escenas de acción para los pocos turistas que visitan la zona. En este contexto, la existencia del poblado se verá perturbada con la llegada de un niño que busca a su padre, y por la intromisión de dos magnates de las finanzas con intereses en la especulación inmobiliaria.

     El film es un homenaje al «spaghetti-western», un subgénero del «western», que se popularizó en los años sesenta y setenta, para el que se buscaron paisajes de gran parecido a los del Oeste americano por Europa, en concreto en España (Almería) e Italia, lugares en los que se construyeron poblados como decorados y se utilizaron actores secundarios y especialistas locales.

     Este género contará con una completa retrospectiva durante los días que dure el Festival, con títulos de Sergio Sollima, Tonino Valerii, Sergio Corbucci o Joaquín Romero Marchent, entre otros, sin olvidar al emblemático Sergio Leone.

     Por su parte, 800 balas ha contado con un presupuesto de cinco millones de euros, y está protagonizada, entre otros actores, por Sancho Gracia, Carmen Maura y Eusebio Poncela.

     Otro estreno muy esperado, y que abrirá el Festival de Sitges, es el de Darkness, la nueva película de terror de Jaume Balagueró, autor de Los sin nombre.

     La trama cuenta cómo una familia se instala en una casa que esconde un secreto siniestro, tan siniestro como la misma oscuridad. Un círculo incompleto, siete niños, gente sin rostro y la maldad agazapada en la penumbra... Quizá a la hija de los nuevos inquilinos le sea revelado el secreto, aunque para ello deba vivir el terror más absoluto.

     En esta ocasión, Darkness no parte de una novela, sino de un guión original de Fernando de Felipe y el propio Balagueró, y cuenta con un reparto internacional encabezado por Anna Paquin, Lena Olin, Iain Glen, Giancarlo Giannini y el español Fele Martínez.

(Fuentes: elmundo.es y Filmax.com).

     Hoy se reestrena, doce años después de su primera exhibición, Innisfree, el documental que José Luis Guerín realizó a partir de un viaje por Irlanda.

     Según palabras del propio cineasta español: «Todo empezó durante un viaje de vacaciones por el amplio marco geográfico donde se rodó en 1951 El hombre tranquilo. Entré en un pub de una hermosa villa irlandesa y escuché a cuatro viejos -completamente borrachos- hablando de John Ford. Comprendí en ese mismo momento que de ahí podía salir una película fascinante. Así se me ocurrió la idea de hacer Innisfree.

     Dice el firmante de la premiada En construcción: «el punto de partida fue el deseo de hacer un documental, sin ninguna relación con un reportaje de televisión, que mantuviera un compromiso con la estética y la fotogenia cinematográficas, y con algún tema de peso que lo hiciera viable: un documental sobre John Ford y John Wayne tenía posibilidades de ser distribuido».

     «Me divertí buscando los posibles encuadres y localizaciones fordianas que me recordasen hoy aquella película de ayer, buscando además aquellos fragmentos dispersos de la realidad circundante que sirvieron a John Ford para recrear el mundo de ficción que ofrece en su película. Pero luego, al plantearme la realización de mi 'documental irlandés', esa realidad recreada en El hombre tranquilo quedó en segundo término, como un factor más que se integraba en ese paisaje».

     «La película de John Ford puede considerarse como el último capítulo de la colonización extranjera que ha sufrido Innisfree, que va de los legendarios pictos a los celtas, cristianos, vikingos, sajones, normandos y británicos. La estancia de un equipo de Hollywood que llegó a Innisfree hace medio siglo forma ya parte del patrimonio local. Un entorno, unas personas, una realidad, en definitiva, que entiende mejor el espectador de Ford que el antropólogo o el etnólogo».

     «Lo que me duele es que rodé mucho más de lo que utilicé, con las dudas y vacilaciones que da el disponer de unas treinta horas de imagen y más de doscientas de sonido, para usar sólo una hora y cincuenta minutos; muy a mi pesar, tuve que sacar bloques enteros».

     «Independientemente de lo bueno o malo que pueda parecer ahora el film tal como está, lo que a mí me interesaba, y creo que todo ese material da muy bien esa dimensión, era el retratar una etnia terminal: esos viejos de setenta, ochenta años, que son el fin de una raza y de una forma de vida irrepetible y casi inencontrable en la Europa de hoy».

(Fuente: terra.es).